色彩作品(文学作品中，哪些句子对色彩（颜色）的描写让你印象深刻？)

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1、文学作品中，哪些句子对色彩（颜色）的描写让你印象深刻？

梨花的颜色也是美丽动人的，如果说白莲象无瑕疵的白玉，如果说月季像月下白雪，如果说玫瑰象在牛奶缸里浸过，那么，我也不愿再煞费心机的找更蹊跷的比喻来描写梨花了。我将斗胆的说，梨花集了一切白色花种之大成，是他们的魁首或王冠。

李养玉，梨花情思。

红彤彤的木棉花在枝头怒放，像一团团火球在树顶上燃烧，木棉花，把南方的绿水青山点缀的分外斑斓多彩。它红得那么稳重，庄严，难怪人们把它叫做英雄花。

金敬迈，欧阳海之歌。

天安门焕然一新，光亮耀眼的琉璃瓦，吊着金黄流苏的大红宫灯，朱红的宫墙，汉白玉的金水桥，秀丽挺拔的华表 都放出夺目的光彩。天安门，真是雄伟壮丽，气象万千。

李水清，五星红旗在天安门前升起。

2、作为艺术爱好者你觉得艺术作品中的色彩和构图是什么关系？

我们经常会用“形美神韵”来形容一幅画作的整体效果，在“写意”的传统国画或者是“写实”的西方油画中同样受用，至于艺术家们怎么在作品中表达自己的情感就不多做解释说明了，我们该去注重艺术作品中色彩和构图是什么关系，毕竟这是绘画艺术给人视觉效果最直接的因素，

艺术作品中人物的情绪是依靠“色彩”来表达，这在西方油画作品中体现的最为明显，在国画中色彩通常被称之为“笔墨”，也是非常重要的，可以这样去理解“色彩是绘画艺术的语言”，画面中笔触与笔触之间的距离就形成一种特定的情绪，要弄清楚画作中每个部位的笔触都是不一样，这是艺术家处理色彩时产生的效果，

所谓的构图，其实理解起来非常简单，就是塑造画面的空间感，这构图的过程可以是从最早期的素描开始，在整个西方艺术史上，素描的出现运用是欧洲文艺复兴时期开始的，所以那时候的作品就呈现出形象的空间立体效果，达芬奇的“黄金分割比例”就是构图的效果，

那么色彩和构图是一种什么关系呢？形象的理解色彩形成了色块，色块与色块之间的距离就是一种构图，要明白单一的“色块”不叫构图，因为色彩和线条是不能脱离画面而独立存在的，每一件艺术作品的构图都是非常严谨的，那是因为艺术家要区分作品的主次，从而突显主题，

色彩是在表达情绪，构图是突显画面的空间立体感，只有严谨协调的空间立体效果，才能让画面人物的情绪饱满丰富，就好比一个人在四面环山空旷的地方高歌，这回声就如同画面的张力，形成一种画风，艺术的想象力是天马行空的，但是艺术作品中的色彩和构图是有次序的，就是这个道理。

3、怎么将摄影画面的色彩变得更像作品？

摄影是一门艺术，如何将作品做成为艺术品的方法多种多样。

一是后期制作。通过软件调试，把作品调整到理想的效果。二是靠比较好的摄影机。没有好的摄影机拍摄也很难有后期制作的条件。

4、如何拍摄油画，最真实地拍出原作品的色彩？

拍摄油画，最真实地拍出原作品的色彩

通过摄影技术拍摄油画作品，这要看所拍摄的油画作品尺寸多大，是巨幅画作，还是小幅画作，其目的就是选择好恰当的拍摄距离，将油画作品全景拍摄出来，也就是整幅油画的样子都清晰呈现出来，如果不能清晰呈现整幅完整的画作，那这样的拍摄就没什么意义了，

最真实地拍摄出油画作品的色彩，可以使用长焦镜头进行拍摄，长焦镜头视觉效果类似于单筒望远镜，它可以在很远的距离外拍摄到景物的细节，而且还是特写画面，作品的画面感非常清晰；在摄影拍摄时，光是影响摄影效果的重要因素，如果拍摄时现场光线太弱的话，就要借助闪光灯，

拍摄油画，最真实地拍摄出原作品的色彩，由于油画作品本身具有光影效果了，所以拍摄时一定要控制好“曝光”，而曝光是由光圈和快门速度决定的，照片的亮度基本由图像感应器所接受到的光的总量决定，而光圈和快门就像调节阀，对光量起到调节的作用，

一张曝光准确的照片需要光圈和快门的完美配合才能达到，光圈越大，进光量就越多，画面越亮；光圈越小，进光量就越少，画面越暗。当我们在光照条件较差的场合进行拍摄时，一般宜选用较大的光圈；而在拍摄光照强烈的对象时，就宜选用较小的光圈，总而言之，拍摄油画，要最真实的拍出原作品的色彩，就是控制好“曝光”，确保油画作品中的人物场景清晰完整还原，因为油画作品本身就有色彩光影明暗效果了。

5、如何运用色彩效果来增添油画艺术作品的画面感？

有人说，油画是造型色彩的艺术。造型是油画的骨骼，色彩是油画的肌肤。造型是油画的动作，色彩是油画的表情。造型和色彩是油画作品不可或缺的重要要素。可见，色彩在油画创作中的极端重要性。

历代油画大师都十分重视色彩在油画创作中的运用。

达芬奇的《蒙娜丽莎》运用色彩渲染绘制出蒙娜丽莎神秘的微笑，并通过绚丽的色彩背景烘托出主体的雍容大气和典雅气质。

提香是文艺复兴时期古典主义油画色彩运用的集大成者。提香擅长用深褐色的颜色作底色，然后用更浓重的颜色在这底色上面竞争，同时运用色彩营造背景，使画面呈现出一种庄严圣洁厚重的质感，给人以强烈的视觉冲击和感染。如《圣母升天记》等。提香被称作是用遍了威尼斯城全套色系的油画大师。

伦勃朗运用色彩关系开创了油画创作中的“用光明暗法”。伦勃朗用白色突出画面主体，用黑色或褐色作为陪衬或背景，营造出似有一束束光束聚集于画面中央，使画面明暗关系凸显，主次鲜明，产生极强的视觉冲击效果。“伦勃朗用光法”成为油画艺术的经典，一直为后来的油画创作沿用至今，并为摄影艺术所借鉴。

印象主义创始人莫奈通过色彩体现自然条件下光影色彩明暗关系的变化。他的《日出》和《睡莲》系列表现出高超的色彩运用技法和表现手法，莫奈通过色彩营造出来的随着时间光线不断变化的画面，产生一种美仑美奂的绝妙意境。

6、如何欣赏色彩大师透纳的油画艺术作品？

大家好！很高兴回答这个问题。画家透纳是英国在世界画坛中，最杰出的人物之一。

首先，欣赏色彩大师透纳的油画作品，就要了解透纳这个人。透纳生于1775年4月23日，卒于1851年12月19日，一生76岁。

早年10岁时，就表现出绘画的天赋，14岁进入英国皇家美术学院学画，15岁那年也就是1790年，他首次展出水彩画作品。

18岁1793年，建立了自已的画室，使他遇到了年青创业者，所遇到的所有困难，但他没有放弃，反而透纳对每位客户的作品认真耐心去完成。为了半个“克朗＂的钱，而努力工作着。

21岁那年1796，第一幅油画作品《海上渔夫》凭着这幅画，再加上努力结果，得到英国皇家美术学院的破格收为会员。是当时最年青的一位。

第二，透纳的勤奋。他喜欢写生，收集大量的生活场景和人物素材，并对自然的风、色、光、物作深入研究刻画，使他油画有飞跃的发展。他打破门类界线，把水彩画效果引入油画风景画的创作。创造了他独特风景画风，自成一派。如：1806年油画《惠桥的泰晤士河》，1807年，1808年，1809年都有新作品问世。特别是1813年油画《雾晨》是画家在写生路上，遇到的场面。有马车，人物刻画非常精到，最主要的是场景，黄灰色调的处理，更是叫绝！透出晚霞的光色，使人对幸福生活的渴望。画家透纳很多作品，凭着默记来作画，作品显示出透纳多年对色彩的研究和物象的表现才能。

其三，透纳不是停留在现有成绩上，而是不断的进取精神。他的油画中期1820年《从梵蒂冈远晀罗马》再到后期的1844年《雨.蒸汽和速度》风格有很大的变动。色彩有古典到象征，形象有具象到抽象的转变，画家付出坚辛的努力。大胆夸张，形象的不清楚处理，色彩的象征意义，整个画面含糊，这种效果不是一天形成的，是画家认识事物的成果。

透纳的油画，对后世印象派影响深远，比如直接影响的是莫奈。从莫奈的《日出》作品中可看出端倪来，不光对莫奈有影响，对后世很多大画家影响极大。

总之，欣赏色彩大师透纳的油画艺术作品，不光欣赏作品的色彩美，同时，也为艺术家的不懈怠创作精神所感动！

以上是我对透纳油画作品欣赏拙见，请大家批评指导！

7、用摄影作品怎么表现颜色的鲜艳？

用摄影作品怎么表现颜色的鲜艳？

摄影作品表现颜色的鲜艳，方法有很多，我拣两个比较常见的，简单粗暴容易上手的，给您说一说。

包您上手就能用，效果立竿见影。

呃……怎么觉得这台词这么熟悉呢~~~

“颜色鲜艳”第一弹：你给模特穿鲜艳

呃，这句好像是废话。但事实就是这么个理儿~~~

不光是模特，就算是拍静物啊，拍动物啊……这些被摄影主体本身就是暗色系的，想把他们/她们/它们拍鲜艳了，好像有点难！

所以，在拍摄之前，咱们不妨给被摄主体打扮打扮啊！

模特能换衣服，动物也能换装啊！

至于静物嘛……可以拿个鲜亮一点的小布条条/金属线给它裹个“腰带”嘛！

想想书店里新书们的“腰封”——不也是为了能让新书醒目一点！

“颜色鲜艳”第二弹：你把背景压暗点

各位老铁，您找个镜子照一下看看——你的脸蛋儿是粉红的，你的皮肤是白嫩的……所以，你黑色的眉毛是不是被反衬得特别明显？

您再想一想，同样的配置，放在黑人的脸上，是眉毛明显？还是牙齿明显？

……是了吧？知道反衬有多么重要了吧！

这个就叫做“对比”。

想要颜色鲜艳，我们就可以加强画面中的两个“对比”——

第一种是颜色对比，比如背景是黑的，衣服是白的；或者背景是素的，衣服是花的；

第二种是明暗对比，比如背景是暗的，衣服是亮的。

那位问了——背景亮、衣服暗行不行呢？

行。但是这个不太好驾驭，搞不好就变黑人了，所以，我不推荐。

（“背景亮、衣服暗”属于奥数题，有点难度，有点刺激）

“颜色鲜艳”第三弹：虚化背景

日常拍摄中，不是所有的背景都能变素，也不是所有的背景都是暗调子的。

如果背景的颜色和暗度都不太好搞……那么，我们不妨试试“大光圈虚化背景”。

管他背景有啥呢，一虚化都糊了，糊糊一片，爱啥是啥，都也看不清楚了。

这时候，就算观众不想看被摄主体，也得看被摄影主体了……因为没得看了，其他的画面元素都被虚化掉了。

你问模特穿啥？模特爱穿啥就穿啥吧！

反正……观众也只能看模特了！

我是柳侍墨，一个喜欢摄影的段子手，喜欢诙谐幽默地讲摄影故事。

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感谢您的阅读。

8、作为艺术爱好者，你怎么理解摄影&绘画作品中的“色彩心理暗示”？

　摄影、绘画作品的艺术表现力包括很多方面。其中,色彩的准确表达则是重中之重。世界中充满了无限丰富不断变化的色彩,摄影和绘画就是运用五彩缤纷的色彩表达出作者的情感世界。

9、摄影小白拍的片子被老师批评“色彩不正”，可能是什么原因？小白该如何避免摄影作品色彩不正的情况？

唉，首先觉得这老师不“地道”，不管他说的“色彩不正”对不对，至少，你既然已经说了色彩不正，就应该指出“色彩不正”是什么原因造成的，应该怎么校正，只说“色彩不正”，让学生猜猜猜，还得到悟空问答来找答案，老师不合格，别叫老师了，叫我老师吧，先不说我说的对不对，至少我主动来回答了，哈哈。

开玩笑，言归正传。

如果真的存在“色彩不正”的问题，一般就两种情况：一是前期白平衡设置不准确，二是后期处理不对。

先说一下白平衡的作用。白平衡跟色温有关，是原来的摄像概念，在原来的胶卷时代，很简单，只要不把灯光片拿来太阳底下用、不把日光片拿去拍灯光片，基本上没什么“色彩不正”，说到这里，大家可能就明白了，白平衡的作用是负责色彩还原的，设置得当运用准确，拍出来的照片红是红、绿是绿，如果不准确甚至偏色，会向两个方向偏，一个是暖的方向，一个是冷的方向。

相机的白平衡设置，有自动、手动、阳光、闪光、阴天（阴影）、多云、白炽灯、荧光灯……等等各种模式，很多人会很仔细地根据拍摄环境来设置白平衡，比如阴天，会很认真地设置成阴天，多云真的就会设置成多云，我很负责任的告诉大家，白平衡的设置里，只有三个是比较准确的：自动、阳光、闪光！自动是相机根据环境自我调整，一般是非常准确的，而阳光和闪光这两个模式的色温差小，再怎么变化不是有多大影响，而其它的预设模式的参数变化较大，不是那么准确，比如阴天或多云，色温可能是从7000到一万好几都不一定，超出了相机的预设值，它就无能为力了。

还有一种情况，如果习惯使用预设模式（除自动、阳光外），在下次使用时，能否百分百更改？忘了，就偏色了，并且这种偏色后期不是很好校正。

后期设置的话就容易理解多了，也就是在后期的处理过程中，调整方向不对，该冷的暖了，该暖了冷了，给人一种怪怪的感觉，这个也很好区别，反正是跟原景色在颜色上有很大区别。

这里需要严重提醒各位的是：饱和度过了不是“色彩不正”，而是太浓了！

有很多老师非老师的，也可能是个人喜好，总是把色彩的饱和度调的很高，高的都辣眼睛，但他们自己可能觉得这也是种“视觉冲击力”，哈。饱和度太高，至少给人一第一感觉就是，太假了！

实事上，如果曝光准确，白平衡设置得当，色彩的饱和度就非常不错了。本人在后期处理中，极少调整饱和度，只是根据需要在对比度、明暗关系、锐度等方向稍作调整，其它的基本不动，我也很少拍人像，即使拍也不会去磨皮，调低下锐度就OK了，哈。

上面说的极少，是说我有时候也稍调整下色温或饱和度。像上面这几张照片，我要表现是的午后暖暖的阳光，我可能会稍稍往暖的方向调整下，让画面有种暖暖的味道。

再像上面这种照片，我可能会向冷的方向稍调整下，为的是让蓝天更蓝。

在实际拍摄中，白平衡采用自动，曝光准确，这样出来的照片基本不会出现“色彩不正”现象。再者说了，拍摄时，个人心中都有一个理想的色彩，正与正，要与心合！

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